Quando
mi chiedono di parlare del "mimo" o in alcuni casi di "cosa
sia il mimo" ho sempre delle grandi difficoltà. La paura
è quella di racchiudere in uno stile definito un qualcosa che
sta alla base di tutte le espressioni dell’uomo.
Ci si immagina normalmente un attore dipinto di bianco che zitto-zitto
fa dei gesti che creano l’illusione dell’esistenza di oggetti,
o che faccia smorfie per significare tristezza o allegria. Addirittura
si pensa alla pantomima bianca dell’ottocento dove il gesto sostituiva
la parola, così per esempio se si doveva dire "io vado per
di là" si rivolgeva prima il dito indice al petto e poi
con un gesto leggero, rotondo e preciso lo si dirigeva verso il luogo
prescelto.
Il novecento ha avuto dei grandi maestri come Etienne Decroux e Jacques
Lecoq che hanno rotto questi stereotipi e hanno dedicato l’intera
vita di artisti e pedagogisti teatrali per ritrovare le origini poetiche
dell’uomo mimante. L’uomo che non riproduce esteriormente
la realtà, ma che cerca l’intimo, la dinamica, il movimento
per poi suggerirlo al mondo attraverso espressioni gestuali, plastiche,
sonore, scritte o parlate. Anche un pittore allora lo si può
definire mimo, armato semplicemente di pennello, colori e della sua
sensibilità.
Concentrandosi dunque sull’arte del teatro, il "corpo nella
sua totalità" diventa lo strumento principale per imitare-reinventare-esprimere
poeticamente la vita e tutto ciò che ci circonda. Tutto il corpo
è al servizio dell’azione teatrale e non solo voce e braccia.
Il corpo che non spiega, ma è al servizio di qualcosa di più
grande, di un’immagine, di una situazione o di un movimento, fino
a che magicamente qualcosa che non c’è o lo spazio di un’emozione
diventano più reali dell’attore stesso; l’attore
sparisce dietro l’universale.
Dopo aver parlato del mimo come punto di partenza dell’arte e
nello specifico del “gioco” teatrale (il termine italiano
recitare limita l’azione dell’attore che in altre lingue
viene espressa con termini come “to play” o “jouè”)
possiamo riprendere il discorso del “mimo creatore di oggetti,
di spazi e di azioni” considerando questa come una tecnica a servizio
del movimento drammatico, altrimenti resterebbe un puro virtuosismo
fine a se stesso.
Il corpo inizia a disegnare nello spazio vuoto una strada, poi un’altra
e un’altra ancora, sentiamo il rumore di un’automobile che
si avvicina e vediamo il suo conducente che impreca e di colpo un’altro
e altri cento, grattacieli brulicanti di uffici affaccendati, semafori,
ingorghi, la folla. Tutto ad un tratto ecco che la vediamo “ è
una grande città”, lo stress, tutti ce l’hanno con
tutti. Nell’apice del caos: il silenzio… un signore anziano
attraversa lentamente la strada, con lo sguardo assorto, mettendo in
pausa il tutto con la sola forza della sua presenza. Cosa starà
pensando? Dove arriveranno i suoi ricordi? Che spettacolo! Ti ricordi
che bello che è stato? Ma ... quanti attori erano? Matteo Destro
La
prima volta che… “Capivo
che le storie governavano il Tempo, …. ed erano Signore anche
dello Spazio” Intervista a Laura Curino
Perché
racconti storie?
L’ho sempre fatto. Appena mi è venuta voglia di mettermi
sulla scena, è stato per raccontare una storia.
Prima ne avevo raccontate tante, in famiglia, a scuola, agli amici.
E prima ancora amavo sentirmele raccontare.
Quelle di mia nonna cominciavano quasi sempre così: A jeru
tre sureli che i son andaci ntal camp a catà l barlandi.
C'erano tre sorelle che sono andate nel campo a raccogliere cavoli,
era quasi sera e ne era rimasto uno, il più grosso, ma così
grande, ma così stretto alle radici… che tira, tira …non
veniva su.
La prima dice: "Basta, ho la schiena rotta, questo lo lascio qui,
ne abbiamo raccolti così tanti che nostro padre non se ne accorgerà".
E va via. La seconda ci prova ancora un po' poi dice: "Basta. Che
fa buio e poi ci tocca tornare di notte". E anche lei torna a casa.
Ma la terza, la più piccola resta e continua a tirare, tirare....incurante
della fatica e del buio. Sta quasi per piangere, quando il cavolo vien
via dalla terra e al suo posto ecco un gran buco e nel buco una scala
che scende, che scende, e là in fondo un chiarore meraviglioso...
Poi la piccolina scendeva la scala e ogni volta a questo punto la storia
cambiava, cambiavano le peripezie, le meraviglie, i mostri, i principi
o i tesori che trovava là in fondo...finiva che erano felici
e contenti, larga è la foglia, stretta è la via, dite
la vostra che ho detto la mia.
E io la mia la dicevo, tutto il giorno, tutti i giorni d'inverno di
bambina senza cortile, in città: la dicevo a me stessa, nel soliloquio
del pomeriggio quando mia madre e mia nonna andavano a dormire e non
bisognava giocare per non disturbare. Sola, sulla panchetta contro il
vetro della porta che dava sul balcone, potevo disegnare le illustrazioni
sul vetro appannato e mormorare la storia. Capivo che le storie governavano
il Tempo, lo rendevano docile, ed erano Signore anche dello Spazio:
non ero più in città, sola, al terzo piano nel centro
di Torino, ma di nuovo in campagna, come in primavera, come d'estate,
come d'autunno, in mezzo agli animali, con gli amici reali e quelli
immaginati.
Al mercato piantavo le peste solo al banco dei libri e appena imparai
a leggere pretesi un libro con copertina spessa e senza figura. Erano
fiabe siciliane e mi ricordo ancora quello del principe cui vengono
tolte moglie e figlioletta e non fa che ripetere "Aranciu e Lumia,
Lumia e Aranciu, se nun vi vegghiu nun manciu e nun dormu chiu."
Capii che Lumia era "limone". Mi sembrava di sapere le lingue
straniere.
Quando veniva Ida Corsini invece le giocavamo le storie. Io facevo il
principe. lei la principessa, ma mi dava sui nervi perché appena
si faceva interessante e io stavo per compiere qualche atto eroico o
affondare le mani in qualche avventura lei sveniva. Cioè la principessa
sveniva e mi toccava darle i sali (ma nella vita chi ha mai visto i
sali?).
Pronunciavamo un sacco di parole come "disse" "fanciulla"
"destriero" "impallidì" "scorgere"
"sdegnarsi" "smarrirsi" e parole così.
Queste parole fanno una buona storia. Intuii l'importanza del linguaggi. Raccontare, recitare con gli altri attori in compagnia, cosa
preferisci?
Recitare con i bravissimi attori che in questi anni hanno lavorato con
me. Mariella Fabbris, Lucilla Giagnoni, Mirco Artuso, Michele di Mauro,
Marco Paolini, e tanti altri…La gioia di un lavoro d’insieme
ben orchestrato è impagabile.
Raccontare, però, è una scelta obbligata e meravigliosa
quando la storia mi appartiene così profondamente che non aspetta
i tempi della progettazione teatrale di compagnia, non c’è
tempo per scrivere per altri, convincerli, provare, …certe storie
te le devi scrivere e raccontare tu, subito! E raccontando si impara
anche a migliorare nel lavoro collettivo. In “Passaggi di stato”, il laboratorio appena concluso,
come avete lavorato?
In tre riprese, tre fine settimana a distanza di un mese. L’ argomento
era il passaggio da una età all’altra: dall’infanzia
all’adolescenza e dall’adolescenza alla maturità.
Gli allievi hanno prima improvvisato, poi scritto, e infine recitato
i loro racconti. Per tenere sempre alto il livello abbiamo – in
contemporanea – fatto esercizio di lettura ad alta voce e di recitazione
di brani di autori italiani e stranieri sullo stesso argomento. Risultati?
Un affiatamento esemplare fra gli allievi, una grande originalità
degli spunti, tutti provenienti da racconti autobiografici, una …cronica
carenza di tempo per svilupparli tutti! Siamo molto soddisfatti della
qualità di comunicazione che si è stabilita.
Se i singoli racconti possono, naturalmente, essere adesso sviluppati
e migliorati, mi pare che tutti abbiano capito i fondamenti della relazione
fra narratore e ascoltatore, che è la cosa più difficile
da far passare.
E’ come se ci fossimo creati un raggio di prospettive di lavoro,
che poi tutti possono perfezionare con me o frequentando altri maestri. Qualcuno sostiene che il teatro è ormai alla fine, schiacciato
da altri linguaggi. E’ vero?
Fine? Ogni volta che sento annunciare la morte di qualcosa in questi
termini provo solo fastidio, se non rabbia.
Gli annunciatori di morte farebbero bene a guardarsi attorno un po'
di più. A frequentare altre case. C'è qualcosa che muore
e altro che nasce, che cresce.
Il teatro ci permette di stare, pubblico e artisti, insieme nello stesso
posto, nello stesso momento, a pensare, ad ascoltare (che miracolo,
ascoltare invece di giocare a chi urla più forte!). Ci permette
di sperimentare una comunicazione immediata, forte di un contatto fisico
ravvicinato tra artista e pubblico.
Questo non significa che non ci sia da fare, ...e molto, proprio perché
il teatro non muoia, perché rinasca e cresca: cavar via dalla
pura virtualità la consistenza di certa normativa, sostenere
le buone scuole di teatro, formare il pubblico attraverso la diffusione
della pratica teatrale nel sociale, come fate voi di Ossidiana, favorire
la formazione anche di chi già è attore di professione
e vuole specializzarsi, e di nuovo qui da voi accade, provare nuove
strade, favorire la crescita di figure organizzative ed amministrative
per il teatro, sostenere i luoghi teatrali ed i teatri, attrezzare questi
anziché creare lo spreco di centinaia di compagini che girano
con l'attrezzatura tecnica al seguito.
Forse non tutti lo sanno, ma mentre in giro per il mondo ogni teatro
ha fari, impianti, tecnici, ecc… e li mette a disposizione delle
compagnie, in Italia la maggior parte dei teatri è una scatola
vuota e sulle autostrade girano grossi Tir pieni di…di quello
che ci dovrebbe essere nei teatri, fari, cavi, mixer, dimmer,…
Sono i camion delle compagnie che ogni volta, come fossero un circo
o una giostra, devono montare e smontare non solo le proprie scene,
ma anche…tutta la dotazione tecnica!
Così anche noi attori possiamo forse fregiarci del titolo di
Viaggiatori della Luna, titolo che spetta appunto ai circhi e ai giostrai… A cura di Gianni Gastaldon
Toni Vedù Domande e risposte di un insegnante per affinare le potenzialità
espressive e la capacità di osservazione nei propri allievi.
Dieci anni di corsi di acquarello a Ossidiana
Quando
dieci anni fa abbandonai l’insegnamento nella scuola pubblica
per fare solo l’artista non pensavo certo che la proposta degli
amici Franca e Gianni mi avrebbe portato ad insegnare per molto e molto
tempo ancora. Intendiamoci, insegnare mi piaceva e pensavo che iniziare
alla mia tecnica artistica preferita degli adulti motivati sarebbe stato
un lavoro di tutto riposo. Certo, come no?! Da allora ho cominciato
a farmi una serie di domande e mi son dato, un po’ alla volta
delle risposte. Innanzitutto, cosa si ripromette di ottenere un adulto
che frequenta questi corsi? Ma è logico. Si aspetta di diventare
un provetto acquarellista in 30 ore. 30 ore, un numero di ore ridicolmente
limitato rispetto a quello dei corsi regolari di un ragazzo che segue
studi artistici. In realtà la questione è più semplice
di quanto non appaia. Io ho sempre detto ai miei allievi che si trattava
di un corso d’acquarello non di un corso d’arte. La didattica
quindi l’ho sempre impostata principalmente sul fatto tecnico.
E questo in 30 ore, se permettete, si può anche fare. Nei primi
corsi non si parla d’arte, né di espressività né
di disegno, né di pittura. E come si potrebbe del resto conciliare
le esigenze di un gruppo in genere molto eterogeneo di persone, diverse
per età, formazione, cultura, capacità, trovatesi occasionalmente
insieme solo per un comune desiderio di esprimersi tramite una tecnica
pittorica? L’acquarello viene a torto definito un tecnica molto
difficile. E’ un banalissimo luogo comune. L’acquarello
non è né più facile né più difficile
di tutte le altre tecniche artistiche. Ha le sue peculiarità
certo, e sono proprio queste che lo rendono secondo me particolarmente
adatto ai neofiti e a chi in genere non ha un particolare talento per
il disegno accademico. Se è capace di abbandonarsi al libero
e imprevedibile fluire del colore sulla carta bagnata, il cosiddetto
“Bagnato su bagnato”, la quintessenza dell’acquarello,
anche il più sprovveduto degli allievi riuscirà a produrre
qualcosa di pittoricamente interessante. Il pericolo maggiore tuttavia
per un insegnante è indulgere negli aspetti consolatori della
pratica artistica. Mi spiego meglio. Dal ‘68 in poi è invalso
l’uso culturale di affermare che tutti sono artisti. Certo, nel
senso che ogni persona è dotata di una potenzialità espressiva
più o meno grande. Si tratta di portarla alla luce e affinarla
liberandola, e questo se mai è il punto, dalle abitudini e dalle
consuetudini, in una parola dalla banalità degli stereotipi.
Dopo migliaia d’anni di Arte fatta coi pennelli non è proprio
facilissimo essere originali. Tuttavia se non è il praticante
artista a cercare un minimo di autonomia espressiva chi mai lo dovrebbe
fare? La cultura artistica di riferimento è pur sempre, a richiesta
generale, la pittura figurativa classica, dove per classico ormai si
intende non tanto la pittura dei secoli passati. fino a metà
800, ma quella diciamo dai pre-impressionisti in poi. Insomma il paesaggio
in tutte le sue varianti, la fa da padrone. Non mancano però
allievi interessati anche ad altri indirizzi, più o meno astratti.
E’in questo campo che mi riprometto di intervenire in futuro,
anche con corsi più brevi ma mirati. Direi che in definitiva
quello che mediamente un allievo si può legittimamente aspettare
da corsi come questi di acquarello è, oltre che produrre un ragionevole
numero di quadretti per arredare la propria casa e quella di amici e
parenti, è affinare la propria espressività e la capacità
di osservazione, per capire la pittura altrui e magari anche un po’
se stesso. Toni Vedù
Quando
mi chiedono di parlare del "mimo" o in alcuni casi di "cosa
sia il mimo" ho sempre delle grandi difficoltà. La paura
è quella di racchiudere in uno stile definito un qualcosa che
sta alla base di tutte le espressioni dell’uomo. 
Perché
racconti storie?
Quando
dieci anni fa abbandonai l’insegnamento nella scuola pubblica
per fare solo l’artista non pensavo certo che la proposta degli
amici Franca e Gianni mi avrebbe portato ad insegnare per molto e molto
tempo ancora. Intendiamoci, insegnare mi piaceva e pensavo che iniziare
alla mia tecnica artistica preferita degli adulti motivati sarebbe stato
un lavoro di tutto riposo. Certo, come no?! Da allora ho cominciato
a farmi una serie di domande e mi son dato, un po’ alla volta
delle risposte. Innanzitutto, cosa si ripromette di ottenere un adulto
che frequenta questi corsi? Ma è logico. Si aspetta di diventare
un provetto acquarellista in 30 ore. 30 ore, un numero di ore ridicolmente
limitato rispetto a quello dei corsi regolari di un ragazzo che segue
studi artistici. In realtà la questione è più semplice
di quanto non appaia. Io ho sempre detto ai miei allievi che si trattava
di un corso d’acquarello non di un corso d’arte. La didattica
quindi l’ho sempre impostata principalmente sul fatto tecnico.
E questo in 30 ore, se permettete, si può anche fare. Nei primi
corsi non si parla d’arte, né di espressività né
di disegno, né di pittura. E come si potrebbe del resto conciliare
le esigenze di un gruppo in genere molto eterogeneo di persone, diverse
per età, formazione, cultura, capacità, trovatesi occasionalmente
insieme solo per un comune desiderio di esprimersi tramite una tecnica
pittorica? L’acquarello viene a torto definito un tecnica molto
difficile. E’ un banalissimo luogo comune. L’acquarello
non è né più facile né più difficile
di tutte le altre tecniche artistiche. Ha le sue peculiarità
certo, e sono proprio queste che lo rendono secondo me particolarmente
adatto ai neofiti e a chi in genere non ha un particolare talento per
il disegno accademico. Se è capace di abbandonarsi al libero
e imprevedibile fluire del colore sulla carta bagnata, il cosiddetto
“Bagnato su bagnato”, la quintessenza dell’acquarello,
anche il più sprovveduto degli allievi riuscirà a produrre
qualcosa di pittoricamente interessante. Il pericolo maggiore tuttavia
per un insegnante è indulgere negli aspetti consolatori della
pratica artistica. Mi spiego meglio. Dal ‘68 in poi è invalso
l’uso culturale di affermare che tutti sono artisti. Certo, nel
senso che ogni persona è dotata di una potenzialità espressiva
più o meno grande. Si tratta di portarla alla luce e affinarla
liberandola, e questo se mai è il punto, dalle abitudini e dalle
consuetudini, in una parola dalla banalità degli stereotipi.
Dopo migliaia d’anni di Arte fatta coi pennelli non è proprio
facilissimo essere originali. Tuttavia se non è il praticante
artista a cercare un minimo di autonomia espressiva chi mai lo dovrebbe
fare? La cultura artistica di riferimento è pur sempre, a richiesta
generale, la pittura figurativa classica, dove per classico ormai si
intende non tanto la pittura dei secoli passati. fino a metà
800, ma quella diciamo dai pre-impressionisti in poi. Insomma il paesaggio
in tutte le sue varianti, la fa da padrone. Non mancano però
allievi interessati anche ad altri indirizzi, più o meno astratti.
E’in questo campo che mi riprometto di intervenire in futuro,
anche con corsi più brevi ma mirati. Direi che in definitiva
quello che mediamente un allievo si può legittimamente aspettare
da corsi come questi di acquarello è, oltre che produrre un ragionevole
numero di quadretti per arredare la propria casa e quella di amici e
parenti, è affinare la propria espressività e la capacità
di osservazione, per capire la pittura altrui e magari anche un po’
se stesso.